더 크게 믹싱하면 좋을까? 컴프레서는 무조건 걸어야 할까? 믹싱에 대한 깨알 같은 지식 > 소식

안녕하세요, 사운드캣입니다! 

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음악을 믹싱하다 보면 여러 가지 공식이나 규칙을 접하게 됩니다.

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"상업적인 팝 사운드를 내려면 컴프레서를 강하게 걸어야 한다."

"프로다운 믹스를 만들려면 DAW만으로는 어렵고 장비를 거쳐야 한다."

"EQ는 반드시 컴프레서 앞에 배치해야 한다."

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어디선가 한 번쯤 들어봤을 법한 이야기들이죠.

물론 이러한 방법들이 특정 상황에서는 훌륭한 결과물을 만들어 주기도 합니다.

하지만 어느 순간부터 정답이 없는 음악 작업에서 '반드시 지켜야 하는 절대 규칙'처럼 굳어지기도 하는데요.

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그렇다면 우리가 당연하게 생각했던 믹싱 상식들은 정말 정답일까요?

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오늘은 해외 유명 매체에서도 자주 다룬 내용을 요즘 시각으로 다시 한번 정리해 보았습니다.

1. 소리가 클수록 좋은 믹스다?

믹싱을 하다 보면 누구나 잘하고 싶은 욕심이 생깁니다.

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내 곡이 다른 곡보다 조금이라도 더 크고 강렬하게 들렸으면 하는 마음이죠.

그래서 컴프레서와 리미터를 한계까지 쥐어짜며 음량을 끌어올리곤 합니다.

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하지만 소리가 크다고 해서 반드시 좋은 믹스가 되는 것은 아닙니다.

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음량을 지나치게 끌어올리는 과정에는 '다이내믹(Dynamics)'과 '선명도'의 손실이라는 큰 대가가 따르기 때문입니다.

음악에는 저마다의 감정적인 흐름이 있습니다.

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조용하게 시작하는 벌스(Verse)와 에너지를 폭발시키는 후렴구(Chorus)의 대비가 대표적입니다.

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그런데 곡 전체에 강한 컴프레션과 리미팅을 적용해 모든 구간의 음량을 비슷하게 만들어 버리면 어떻게 될까요?

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벌스와 후렴구 사이의 에너지 차이가 줄어들면서 후렴구가 터져 나오는 순간의 쾌감도 함께 묻혀버립니다.

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쉽게 말해 처음부터 끝까지 모든 구간이 후렴구처럼 들린다면, 정작 강조되어야 할 진짜 후렴구가 특별하게 느껴지지 않는 것이죠.

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여기에 과도한 압축으로 발생하는 왜곡이나 트랜지언트 손실까지 더해지면 녹음과 믹싱을 통해 만들어 놓은 섬세한 표현력이 무너질 수 있습니다.

본 블로그에서도 정말 여러 번 다루었지만

게다가 오늘날 스포티파이, 애플뮤직 같은 스트리밍 플랫폼들은 '음량 정규화(Loudness Normalization)'를 적용합니다.

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크게 마스터링한 얼핏 들리기에 문제가 없지만 이미 깨진 소리입니다.

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이런 곡은 업로드를 하면 스트리밍 서비스 플랫폼에서 다시 음량 정규화를 하면서

볼륨이 줄어들며, 과도한 압축으로 뭉개진 트랜지언트(타격감)와 손상된 다이내믹만 남게 됩니다.

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상당히 많이 알려진 상식이지만, 현재도 질문이 많이 올라옵니다.

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잘 들리게 믹싱을 하고, 장르에 따라 어느 정도의 밀도(대략 -10 ~ -8 LUFS 근처)를 유지하면 됩니다.

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핵심은 단순히 큰 소리가 아니라, 필요한 순간에 얼마나 강렬하게 들리느냐입니다.

2. 좋은 믹싱과 마스터링을 하려면 비싼 장비가 필요하다?

유명 팝 믹싱 엔지니어들의 스튜디오 사진을 보면 입이 벌어질 때가 있습니다.

거대한 아날로그 콘솔부터 고가의 아웃보드 장비까지, 일반적인 홈 스튜디오에서는 보기 어려운 장비들이 가득하죠.

그런 사진들을 보다 보면 "저 정도 장비가 있어야 저런 소리가 나오는 건가?"라는 생각이 자연스럽게 듭니다.

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하지만 좋은 믹스를 만들기 위해 반드시 비싼 장비가 필요한 것은 아닙니다.

유명한 오디오 엔지니어가 좋은 장비를 사용해서 유명해진 것은 아닙니다.

그렇다고 엉망인 장비로 시작한 것은 아닙니다.

실제로 DAW 안에서 모든 작업을 처리하는 인 더 박스(In The Box) 방식으로도 충분히 훌륭한 팝 음악을 믹싱할 수 있습니다.

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그렇다면 유명 엔지니어들은 왜 여전히 값비싼 아날로그 장비를 사용할까요?

일단 자기 개인 스튜디오라기보다는 회사

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여기에는 의외로 현실적인 이유가 있습니다.

바로 작업 속도와 익숙함입니다.

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오랫동안 사용해 온 장비는 어떤 설정에서 어떤 소리가 나오는지 이미 잘 알고 있습니다.

원하는 결과물을 얻기 위해 새로운 플러그인을 찾아보거나 수많은 설정을 시험할 필요도 줄어들죠.

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결국 장비를 사용하는 이유가 반드시 음질 때문만은 아니라는 이야기입니다.

자신에게 익숙하고 빠르게 원하는 결과를 만들어 주는 도구이기 때문에 사용하는 것이죠.

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마찬가지로 DAW 안에서 작업하는 것이 더 빠르고 효율적이라면 굳이 아날로그 장비를 고집할 이유도 없습니다.

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그렇다면 홈 스튜디오는 플러그인만으로 충분할까요?

물론입니다. EQ, 컴프레서, 리버브 등 기본적인 믹싱 작업은 DAW에 내장된 플러그인만으로도 충분히 시작할 수 있습니다.

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고가의 아웃보드 장비가 특별한 질감이나 작업 편의성을 제공할 수는 있지만, 장비의 가격이 곧 결과물의 품질을 보장하는 것은 아니죠.

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실제 지금 컴퓨터와 DAW는 방음과 흡음, 모니터 스피커를 제외하면

2000년 대 초에 수천만원을 투자한 스튜디오와 크게 다르지 않는 성능을 냅니다.

 

2000년대 초반만 해도 수십 개의 오디오 트랙을 지연 없이 처리하고 무거운 이펙터를 구동하려면 고가의 DSP가 장착된 하드웨어나 수천만 원에 달하는 전용 시스템이 필수적이었지만, 현재는 최신 컴퓨터의 CPU 연산 능력이 이를 아득히 초월하여 일반적인 네이티브 환경에서도 과거의 스튜디오급 프로세싱을 여유롭게 소화해 내고 있습니다.

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물론 전제대로 방음, 흡음, 모니터를 제외하면 그렇다는 것이므로 이 부분은 신경을 써주시는 것이 좋습니다.

실제로 많은 엔지니어가 “가장 중요한 투자”라고 말하는 부분이 바로 이 부분입니다.

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고가의 장비를 사 모으는 데 집착하기보다,

현재 보유한 플러그인을 능숙하게 활용하고 모니터링 환경을 개선하는 것이 더 효과적입니다.

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좋은 믹스를 만드는 데 필요한 것은 비싼 장비의 숫자가 아니라, 자신이 가진 도구를 얼마나 능숙하게 활용하느냐입니다.

3. 팝 음악 믹싱에는 정해진 공식이 있다?

DAW를 공부하다 보면 다양한 믹싱 템플릿(Template)을 접하게 됩니다.

보컬용 EQ와 컴프레서가 미리 설정되어 있거나, 드럼과 베이스, 기타 등의 트랙이 정리되어 있는 프로젝트 파일이 대표적이죠.

유명 엔지니어가 만들어 놓은 템플릿을 사용하면 당연히 믹싱을 배우는 데는 도움이 됩니다.

프로의 사운드가 나올 것 같은 기대감도 들고요,.

하지만 믹싱 템플릿을 그대로 가져와서 내 트랙에 적용시킨다고 해서, 유명 엔지니어와 똑같은 수준의

퀄리티가 나오는 것은 아닙니다.

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음악 믹싱은 정해진 공식에 맞춰 소리를 가공하는 작업이 아니라

곡에 맞는 소리를 찾아가는 창의적인 작업이기 때문입니다.

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곡마다 녹음 상태가 다르고, 악기의 종류와 연주 방식도 다르며, 아티스트가 표현하고자 하는 감정도 다릅니다.

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예를 들어 같은 보컬 녹음이라고 해도 어떤 곡에서는 숨소리와 목소리의 질감을 섬세하게 살리는 것이 중요할 수 있고,

다른 곡에서는 강한 컴프레션을 통해 보컬을 전면으로 끌어내는 것이 더 적합할 수도 있습니다.

그런데 모든 곡에 똑같은 EQ와 컴프레서 설정을 적용한다면 어떨까요?

작업은 편해질 수 있겠지만 곡마다 가지고 있는 개성과 매력을 놓칠 가능성도 커집니다.

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그렇다고 템플릿 자체가 나쁘다는 뜻은 아닙니다.

자주 사용하는 라우팅이나 트랙 구성, 작업 환경을 미리 만들어 두면 시간을 절약하는 데 큰 도움이 됩니다.

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템플릿은 작업 속도를 높여주는 '편의 도구'일 뿐, 모든 곡에 적용되는 정답 공식이 아닙니다.

같은 보컬 트랙이라도 녹음 상태에 따라 필요한 EQ 설정이 달라지고,

같은 드럼 사운드라도 곡의 장르와 분위기에 따라 컴프레션의 정도가 달라질 수 있습니다.

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다른 사람의 믹스를 그대로 따라 하는 것보다 지금 작업하는 곡에 가장 잘 어울리는 해결 방법을 찾아가는 과정이 중요합니다.

4. 다이내믹을 조절하려면 컴프레서를 사용해야 한다?

소리의 크기 변화, 다이내믹을 제어할 때 가장 먼저 컴프레서를 떠올립니다.

컴프레서는 큰 소리는 작게 눌러준 다음 증폭을 통해서 결과적으로 소리를 균일하게 만들어주는 이펙터입니다.

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하지만 컴프레서가 소리 크기를 조절하는 유일한 도구는 아닙니다.

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특히 특정 구간의 음량을 세밀하게 조절할 때는 '볼륨 오토메이션(Volume Automation)'이 효과적일 수 있습니다.

컴프레서와 오토메이션, 무엇이 다를까요?

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두 도구는 소리의 크기를 조절한다는 점에서는 비슷하지만 작동 방식에는 차이가 있습니다.

• 컴프레서: 입력되는 소리의 크기에 반응해 자동으로 게인을 줄이며, 소리에 특유의 어택/릴리즈 펀치감과 톤(질감)을 더해줍니다.(*주의)

• 오토메이션: 엔지니어가 직접 구간을 지정해 볼륨을 올려주거나 낮춰주는 작업으로, 컴프레서 특유의 압축 효과 없이 원하는 구간의 음량을 직접 조절합니다.

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(*주의 : 어택이 너무 빠르면 반대로 트랜지언트를 깎아서 펀치가 줄어드는 경우도 있습니다.)

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예를 들어 보컬 녹음에서 특정 단어만 유독 작게 들린다고 가정해 보겠습니다.

컴프레서로 이를 잡으려 하면 보컬 전체의 톤이 눌릴 수 있습니다.

이럴 때는 오토메이션으로 해당 구간의 볼륨 살짝 올려주는 것이 훨씬 깔끔하죠.

특히 오늘날의 DAW에서는 볼륨뿐만 아니라 플러그인의 파라미터까지 세밀하게 자동화할 수 있습니다.

보컬의 특정 문장만 살짝 올리거나, 후렴구에 들어갈 때 악기 볼륨을 조금씩 키우는 등 다양한 작업이 가능하죠.

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그렇다면 컴프레서는 이제 필요 없을까요?

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당연히 아닙니다.

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컴프레서는 단순히 소리의 크기를 일정하게 만드는 용도 외에도 특유의 펀치감과 질감을 만드는 데 중요한 역할을 합니다.

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오토메이션으로 불필요한 레벨 변화를 먼저 정리하고, 컴프레서로 소리의 질감과 펀치감을 만들어 주는 방식으로 함께 활용할 수 있습니다.

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볼륨을 세밀하게 조절할 때는 오토메이션을, 소리의 밀도와 질감을 다듬을 때는 컴프레서를 활용해 보세요.

5. EQ는 반드시 컴프레서 앞에 배치해야 한다?

"EQ로 톤을 먼저 정리하고, 그 뒤에 컴프레서를 건다."

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믹싱을 공부해 본 사람이라면 한 번쯤 들어봤을 법한 이야기입니다.

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EQ를 먼저 사용해 불필요한 주파수를 정리하고, 그다음 컴프레서로 다이내믹을 제어해야 한다는 규칙이죠.

실제로 자주 쓰이는 작업 구조입니다.

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하지만 EQ와 컴프레서의 순서는 컴프레서가 어떤 방식으로 반응하기를 원하는지에 따라 달라집니다.

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조금 더 이해하기 쉽게 일렉트릭 기타를 믹싱하는 상황을 가정해 보겠습니다.

현재 녹음된 기타 소리가 조금 탁하고, 고음역대의 선명함도 부족한 상황입니다.

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이때 다음과 같은 EQ 설정을 적용해 보겠습니다.

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1. 300Hz 대역을 -3dB 낮추기

2. 5kHz 대역을 +3dB 높이기

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두 가지 모두 기타의 톤을 개선하기 위한 EQ 설정이지만, 컴프레서 앞뒤에 배치했을 때 결과는 달라질 수 있습니다.

① 300Hz를 낮추는 EQ ➔ 컴프레서 앞에 배.

컴프레서는 단순히 소리의 크기만 보는 것이 아니라 입력 신호를 바탕으로 압축량을 결정합니다.

컴프레서는 입력 신호의 에너지에 반응하므로, 설정에 따라 특정 저음역대가 압축량에 큰 영향을 줄 수 있습니다.

따라서 불필요하게 웅웅거리는 300Hz 대역을 컴프레서 앞에서 미리 깎아주면,

컴프레서가 불필요하게 믹스를 과하게 눌러버리는 현상을 줄일 수 있습니다.

② 5kHz를 높이는 EQ ➔ 컴프레서 뒤에 배치

만약 5kHz 고음역대를 부스트한 채 컴프레서 앞으로 보내면,

5kHz를 강조한 신호가 컴프레서에 입력되면, 설정에 따라 압축 반응이 달라져 의도한 선명도가 충분히 살아나지 않을 수 있습니다.

(부스트 효과가 줄어들어서 더 많이 부스트하게 되고, 결과적으로 가공된 소리가 날 위험이 있다)

반대로 컴프레서를 먼저 거친 깔끔한 신호 뒤에 5kHz 부스트 EQ를 놓으면

컴프레서의 반응을 방해하지 않고 최종적인 선명함만 더할 수 있습니다.

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그렇다면 EQ는 앞에 하나, 뒤에 하나 놓으면 되는 걸까요?

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EQ를 앞에 놓을지 뒤에 놓을지는 규칙이 아니라 의도에 맞춰 결정해야 합니다.

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EQ를 컴프레서 앞에 배치하면 특정 주파수가 컴프레서의 반응에 영향을 주도록 만들 수 있고,

뒤에 배치하면 압축 이후의 음색을 조절할 수 있습니다.

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어떤 소스를 다루는지, 원하는 소리가 무엇인지에 따라 적절한 순서는 달라집니다.

EQ와 컴프레서 사이에는 반드시 지켜야 하는 순서는 없습니다.

컴프레서가 어떤 소리에 반응하기를 원하는지 먼저 생각해 보세요.

마무리: 믹싱에는 공식보다 판단력이 중요합니다.

지금까지 현대 팝 믹싱에서 흔히 접할 수 있는 다섯 가지 오해를 살펴봤습니다.

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다섯 가지 내용을 다시 정리해 볼까요?

흔히 알려진 오해	실제로 기억해야 할 점
소리가 클수록 좋은 믹스다	무작정 큰 소리보다 곡의 다이내믹과 임팩트가 중요하다
비싼 장비가 있어야 좋은 믹스가 나온다	장비의 가격보다 청취 환경, 작업 효율, 그리고 가진 도구를 다루는 능력이 우선이다
팝 믹싱에는 정해진 공식이 있다	템플릿은 작업 편의용일 뿐, 곡과 소스마다 창의적이고 유연한 접근이 필요하다
다이내믹 조절에는 컴프레서가 필수다	정밀한 음량 조절은 오토메이션으로, 톤과 질감 형성은 컴프레서로 나누어 활용하자
EQ는 반드시 컴프레서 앞에 배치해야 한다	원하는 컴프레서의 반응에 따라 순서를 결정하자

오늘 살펴본 내용의 핵심은 하나입니다.

믹싱에는 절대적인 공식이 없으며, 상황에 맞는 엔지니어의 유연한 판단력이 가장 중요하다는 점입니다.

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다른 엔지니어가 그렇게 한다고 해서 무조건 따라 할 필요는 없습니다.

유명한 믹싱 템플릿을 사용한다고 해서 자동으로 훌륭한 믹스가 완성되는 것도 아니죠.

그러니 다음에 믹싱을 하다가 '이건 반드시 이렇게 해야 한다'는 이야기를 듣는다면 한 번쯤 생각해 보세요.

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"그런데, 내가 원하는 사운드를 만드는 데 이 방식이 꼭 필요할까?"

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원리를 이해하고 목적에 맞춰 도구를 선택할 때 비로소 남들과 다른 나만의 매력적인 믹싱 사운드가 완성됩니다.

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지금까지 사운드캣이었습니다! 

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참고 자료

• Production Expert, Five Myths Of Modern Pop Mixing — Dom Morley